Las videocámaras se han convertido en una herramienta indispensable para grabar todos los momentos importantes que se quieren recordar a lo lago de la vida. Para ello existen diferentes tipos, entre las que hay que elegir la que mejor que se adapte a las necesidades de cada usuario.

Historia de las videocámaras

Las primeras videocámaras utilizaban tubos electrónicos como captadores. Éstas eran un tipo de válvulas termiónicas que efectuaban la transducción de la luz en señales eléctricas. Este proceso se hacía mediante el barrido por un haz de electrones del target donde se formaba la imagen procedente de un sistema de lentes. El 1923 el ingeniero ruso Vladímir Kozmich Zvorykin desarrolló un sistema de captación de imágenes. Tres años más tarde, el ingeniero escocés John Logie Baird lo perfeccionó. El fue quien hizo las primeras demostraciones transmitiendo imágenes de 3’8×5 cm. a una definición de 30 líneas.

Tipos de videocámaras de televisión

Se pueden encontrar dos tipos muy diferenciados de cámaras de televisión, las de estudio y las portátiles, también conocidas como ENG. Existe una gran diferencia para identificarlas. Las videocámaras de estudio están integradas al sistema de producción que le corresponde, a diferencia de las portátiles que trabajan independientes a cualquier sistema de producción. Éstas últimas suelen ir asociadas a un sistema de grabación de señales de televisión. Sin embargo, esto no significa que en un momento determinado, las cámaras portátiles no puedan ser parte de un estudio de televisión.

Las videocámaras más avanzadas

Para una mejor grabación o retransmisión se debe optar por las videocámaras profesionales. Éstas tienen un coste muy elevado y su uso está extendido en las productoras y canales de televisión. También pueden ser adaptadas para que se usen como cámaras de estudio más baratas. El otro grupo son las denominadas cámaras de broadcast. A diferencia de las anteriores, estas sólo funcionan como cámaras de estudio. Su objetivo principal es el de ofrecer una excelente calidad de imagen, por lo que suelen ser muy grandes y pesadas. Debido a ello, en ocasiones están sobre pedestales.

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El mundo de los audiovisuales está en permanente cambio, pues las transformaciones tecnológicas afectan tanto a los dispositivos como a los programas que permiten trabajar con ellos. El video digital ha sido la gran innovación de los últimos tiempos y junto al video digital se ha desarrollado toda una generación de cámaras de video digital, editoras y programas de edición. Tanto para los profesionales del video digital, como para los aficionados conviene estar permanentemente actualizado respecto a las nuevas versiones de los programas que permiten la edición.

Dispositivos y programas estándar

La tecnología audiovisual y particularmente el video digital se ha desarrollado gracias a los aportes de las empresas audiovisuales que permanentemente están mejorando sus productos y lanzando nuevos productos al mercado. Sin embargo, es necesario tener algunas precauciones, sobre todo, al actualizar dispositivos como cámaras o editoras; pues la práctica habitual en el desarrollo de este tipo de tecnología es trabajar con formatos diferenciados no estándar, que tardan un poco en estar disponibles para los distintos programas de edición.

De este modo, en términos generales, para un aficionado que no desea invertir demasiado dinero, le convendrá adquirir dispositivos que trabajen con formatos estándar; aunque esto suele no estar en la vanguardia tecnológica, por las razones anteriores, es decir, que los dispositivos de vanguardia trabajan con formatos propios de las compañías que los desarrollan.
Evidentemente, esto tiene algunas ventajas y otras desventajas. Entre las desventajas, la más evidente es no contar con las últimas innovaciones; sin embargo, la ventaja principal es poder editar en video digital casi con cualquier programa.

Formatos propietarios y video digital profesional

Por el contrario, en el mundo de los realizadores profesionales conviene siempre estar a la vanguardia tecnológica y poder incorporar las últimas novedades en términos de diseño y edición. Por lo cual, corrientemente un profesional del trabajo audiovisual, deberá optar por los formatos propietarios de una u otra compañía.

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Si hay una profesión en la que es difícil triunfar y en la que también es my complicado mantenerse y lograr un trabajo estable, esa es sin duda la de actor. Muchos son los que lo intentan, pero sólo unos pocos llegan a tocar el éxito con la punta de los dedos.

Mamá quiero ser artista

Es un clásico dentro de la sabiduría popular española, acrecentado por el éxito de la película que protagonizó Concha Velasco allá por los años sesenta. El ‘mamá, quiero ser artista’, que cada día deja perplejos, sin habla y preocupados a los padres que acaban de conocer que su hijo quiere ser actor. El sueño de triunfar se mezcla con el mundo de las dificultades con las que el futuro actor y la futura actriz se van a encontrar a partir de ese momento.

Difícil futuro

Y es que la profesión de actor no es una de esas de las que se suele decir que tienen ‘salidas’, sino más bien lo contrario. Es una profesión dura, en la que hay que empezar desde abajo y pelear día a día y casting tras casting para conseguir de vez en cuando un papel en alguna que otra obra de teatro, serie de televisión, y si hay mucha suerte, en una película. De hecho, se suele decir que Hollywood está lleno de camareros actores, que trabajan en bares y cafeterías para poder vivir mientras les llega el esperado papel. No es algo que sólo ocurra en la meca del cine, sino que pasa en todos los lugares del mundo.

Locura o pasión

El titular de este texto hace justicia al actor que se lanza a la búsqueda de la oportunidad, ya que dicen que para triunfar en una profesión tan difícil hay que tener un punto de locura. Sin embargo, otros lo llaman pasión por lo que hacen, y esa pasión la que consigue que el actor no desespere y siga una y otra vez buscando su ansiada oportunidad. No en vano, la perseverancia es, junto a la paciencia, una de las características necesarias.

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En la industria del cine no todo es ‘glamour’ y felicidad, ya que si es difícil llegar, más lo es todavía mantenerse. Una mala elección en los papeles un escándalo tipo Hollywood puede dar al traste con las esperanzas de cualquier actor.

Llegar y marchar

Son muchos los casos de actores y actrices que lograron llegar al firmamento del celuloide pero después cayeron estrelladas. Son múltiples los factores que pueden hacer que un actor llegue a la meca del cine y luego tenga que irse por la puerta de atrás. Una mala decisión a la hora de elegir un papel, no saber adaptarse a la fama o protagonizar un espectáculo mal visto a los ojos de los fans pueden acabar con la carrera de cualquiera.

Sin estrella

Uno de los casos más claros en el cine de hoy en día es el de Lindsay Lohan. Tras empezar muy jovencita, los escándalos relacionados con el alcohol han hecho que su carrera se vaya al traste. Precisamente son los niños actores los que más complicado lo tienen para mantenerse en el cine una vez que triunfan. El que lidera esta tabla es Macauly Culkin, protagonista de Solo en casa, que no supo asimilar el éxito. Más reciente es el caso de Haley Joel Osment, el niño de El sexto sentido que en ocasiones veía muertos. Otro de los casos más conocidos es el de Drew Barrymore, que de niña estrella de E.T. pasó a estrellada por sus problemas de alcohol desde pequeña.

Grandes regresos

No obstante, donde uno cae puede levantarse, y en el mundo del cine se puede hacer incluso hasta a lo grande. Por eso, muchos de los que en su día se estrellaron, luego han vuelto y ahora se mueven entre grandes taquillazos. La propia Drew Barrymore, después de sufrir sus problemas con el alcohol es hoy una de las mejores pagadas de Hollywood. Otros casos similares son los de Robert Downy Jr, que ha pasado varias teporadas entre rejas o Mickey Rourke, que tras desaparecer durante mucho tiempo, a punto estuvo de ganar un Oscar.

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Si hay un lugar en el mundo en el que darse una vuelta parece atravesar un millar de películas ese es sin duda Hollywood, la auténtica meca del cine. Las grandes avenidas de Los Angeles, sus emblemáticas calles de tiendas y sus playas son sólo el envoltorio que esconde la base de la gran industria del séptimo arte.

El paseo de la fama

El Paseo de la Fama, con su mítico Teatro Chino y el Kodak Theatre donde se celebra la gran gala de los Oscar, son sólo el escaparate de una ciudad que ya sólo con su nombre evoca a la gran industria de las películas. Desde que a principios del siglo XX los productores de cine decidieran trasladar la creación de películas a zonas más cálidas donde el clima fuera más estable la mayor parte del año, Los Angeles se ha convertido en el epicentro del celuloide.

Grandes producciones

El poder adquisitivo que ganó el cine casi desde sus inicios hizo que esta zona de California comenzara a crecer alrededor de la industria de las películas. Los actores empezaron a ser considerados estrellas y las legiones de fans hicieron su aparición. El ‘glamour’ no tardó en llegar, convirtiendo a Hollywood no sólo en un mar de creación de películas, sino también en un escaparate en el que había que figurar para llegar a ser alguien en este poderoso mundo.

Una vida alrededor del cine

Los visitantes de Los Angeles no sólo tienen el paseo de la fama, las lujosas boutiques de Rodeo Drive o los muelles y avenidas de Santa Mónica para sentirse dentro de una película. Alrededor de los grandes estudios, las grandes productoras han creado sus propios parques temáticos, en los que introducen a los que se acercan en las mejores escenas de sus películas más conocidas. Así, es posible entrar dentro del mundo de Jurassik Park, pasear por el desolado ambiente de La Guerra de los Mundos o coger el metro en el momento en que descarrila uno de los trenes, como en la cuarta Jungla de Cristal.

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Desde que en 1895 los hermanos Lumière mostraran al mundo la primera película de la historia, Salida de los obreros de la fábrica, grabada en Lyon, el cine no ha dejado de engrandecerse. Cada década desde entonces, el séptimo arte se ha encontrado en su mejor momento, sin haber conocido años de decadencia o de desinterés por parte del gran público, salvo quizás durante la crisis de 1929, que golpeó duramente a la sociedad estadounidense.

El contexto cinematográfico

El cine es hoy en día, junto a la música, el arte más popular y que más atrae al público de masas. Las grandes producciones no han percibido ni tan siquiera la crisis económica y el dinero bulle en Hollywood y el Bollywood, el nuevo corazón de la industria cinematográfica. Sin embargo, el cine no es solo un salón en el que todos pueden bailar, sino que tiene sus habitaciones exclusivas, en las que no puede penetrar cualquiera. La vertiente más artística y menos comercial del cine no se distingue por grandes inversiones económicas en producción y patrocino, sino que busca la excelencia en los argumentos, en la luz, en la fotografía, en la transmisión de un mensaje estético, ético y cultural que requiera, para ser comprendido, un esfuerzo por parte del espectador.

El cine independiente

Algunos historiadores consideran que el origen del cine independiente ha de buscarse en la ya mencionada crisis que produjo el crack de 1929 en Estados Unidos. Muchos de los directores de entonces se enfrentaron a dificultades económicas que les obligaron a innovar y buscar soluciones alternativas. Las películas que comenzaron a grabarse en estas condiciones se denominaron de ‘Serie B’. Todo aquello que se filmaba fuera de los espacios comunes de los estudios de grabación, se entendía, en principio, como independiente. No sólo los aspectos técnicos y económicos caracterizan al cine independiente, también los temas, muchas veces tabú, son los protagonistas de estas películas. A la hora de elegir a los mejores directores independientes del momento es imprescindible señalar a Terry Gillam, los hermanos Coen, Spike Lee o Brian de Palma.

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La historia del cine en un país como España, que padeció casi medio siglo de dictadura, no es un simple “adorno cultural”, como señalaron Miguel Ángel Barroso y Fernando Gil, autores de un libro sobre las mejores obras españolas dentro del séptimo arte. En España, la evolución del cine en la segunda mitad del siglo XX fue el reflejo de la sociedad y del aperturismo que el país vivió en esta época. Actores, directores, guionistas y productores comenzaron a atisbar una época idílica de creación en la que las mordazas impuestas hasta el momento iban a caer para dejar paso a un grito creativo y experimental que dará al cine español de los años sesenta unas características únicas.

Los inicios

La primera película española, o más bien rodada y producida por un español, fue Salida de la misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza, de Eduardo Jimeno Correas, filmada en la última década del siglo XIX. Obviamente, y como en las primeras películas de los hermanos Lumière, que grabaron a unos trabajadores saliendo de una fábrica, en la filmación española no había actores, sino que la cámara simplemente registraba a los feligreses saliendo de la basílica zaragozana.

Tras esta filmación, este arte siguió lo derroteros esperados: cine mudo hasta la llegada del cine sonoro; cine en blanco y negro hasta la llegada del color. Sin embargo, si hay una etapa que merece la pena destacar en el cine español, es la de los años sesenta del siglo XX.

Los nuevos matices

Hacia 1963, José María García Escudero ocupó la Dirección General de Cine e impulsó las ayudas públicas y la Escuela Oficial de Cine, nacida en el año 1947. Los directores que debutaron en esta época fueron principalmente de izquierdas y opuestos al régimen dictatorial que mantenía a España amarrada social, ideológica y culturalmente. Además, la televisión irrumpió en todos los hogares y ya no se consideró como un aparato de lujo. A través de esta nueva ventana, los actores de teatralizaciones, películas y comedias se dieron a conocer entre el público de forma generalizada.

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El cine independiente es un concepto que se utiliza para agrupar las diferentes formas de hacer cine, que no están articuladas dentro de la gran industria cinematográfica. La existencia de una industria cultural que funciona en términos de consumo y mercado de masas, ha sido denunciada por artistas de distinto tipo, como un elemento coactivo respecto a la creatividad y que impone a los creadores dinámicas insostenibles. El reflejo o reacción a estas demandas, en términos cinematográficos es el cine independiente.

Cine Independiente y cine de autor

Se trata de dos temas entrelazados; pues el cine independiente busca superar las limitaciones de la industria; y por tanto, se permite experimentar mucho más, en términos estéticos, de guión y temáticos. Además, el cine independiente por no estar ligado a grandes productoras, requiere formas atípicas de financiación; por lo cuál funciona directamente con presupuestos reducidos. En este sentido, se vuelve un lugar especialmente privilegiado para el cine de autor; pues los bajos presupuestos no permiten una gran inversión en contratación de actores, efectos, o producción. Por lo tanto, la labor del director se vuelve esencial; pues se transforma en el elemento clave que puede entregar diferenciación y calidad a la película.

De este modo aunque también es posible realizar cine de autor en la gran industria, por norma general, el cine de autor se ha desarrollado ligado a la experimentación, al protagonismo de los aspectos fotográficos y de guión, y al cine independiente.

Múltiples propuestas de cine

En la actualidad el cine se ha diversificado mucho. La antigua polaridad entre la industria norteamericana y europea, en cierto sentido ha cambiado; pues surge con fuerza la industria del medio oriente, y del extremo oriente, que ya lleva décadas consolidada. Por otra parte, el cine latinoamericano ha dado también pasos importantes; de modo que la vieja situación geográfica cede paso a formas globalizadas de transmisión. Por otra parte, los cambios políticos desde la caída del muro de Berlín, también afectan a esta reorganización geográfica del cine. Especialmente, tomando en cuenta la influencia de los conflictos políticos del siglo XX en la historia del cine.

Finalmente el salto tecnológico que ha implicado la tecnología digital, afecta también al desarrollo del cine, haciendo más factible y baratas las producciones independientes.

El miedo que impone el cine de terror ha ido variando según la época, desde el miedo psicológico de “Paranormal activity”, el cine gore de “Evil Dead”, el miedo con humor de “Zombieland” o el actual género torture porno de la saga “Saw”. Por eso, cada época tuvo su mejor película de terror.

Miedo clásico: “Nosferatu: una sinfonía del horror”

El cine de terror clásico aún es mudo y, quizá, la mejor película de miedo de esa época es “Nosferatu” (1922) de Murnau. Llena de expresionismo alemán, “Nosferatu” es una adaptación libre de la novela “Drácula” de Bram Stoker, por lo que se ha convertido en un clásico del cine de vampiros.

La Psicosis de Hitchcock en los 60

Calificada como una de las obras maestras del cine de terror, Hitchcock conecta con el miedo del espectador en un motel de carretera. Mitificada sería la escena del baño en la que, mientras la protagonista se ducha, se ve a través de la cortina la sombra de una mujer mayor, que cuchillo en mano, mata a la protagonista a la mitad de la película.

Exorcismos y Kubrick

“El Exorcista” se estrenó en el cine en 1973 y es, sin dudas, una de las películas de miedo más populares de todos los tiempos. La niña Regan aterrorizó a varias generaciones cuando su madre se da cuenta de que está poseída diabólicamente y la única solución es practicarle un exorcismo.

Mezcla de fenómenos paranormales y enfermedades psicológicas fue Kubrick quien aterrorizó el cine de miedo de los ochenta con su Resplandor. Rodó la esquizofrenia del relato de Stephen King en un film angustioso rodado en un hotel de Colorado donde una familia sólo buscaba encontrar la tranquilidad.

En 1991 fue Anthony Hopkins quien optó por el miedo psicológico y abarrotó los cines de todo el mundo con Hannibal Lecter, el asesino en serie de “El Silencio de los Corderos”. Y el siglo XXI lo protagoniza el cine de terror asiático con “The Ring”, donde una periodista investiga por qué varias personas han muerto tras ver la misma cinta.

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